Cine
CARLOS SORÍN: CON DANIEL DAY-LEWIS HICE UNA PELÍCULA QUE ERA ESPANTOSA
Fotos: Carla Santillán
Carlos Sorín está por cumplir 70 años, es uno de los directores argentinos más reconocidos en el mundo. Historias mínimas, Bombón el perro, El camino de San Diego o Días de pesca, son solo algunos de sus filmes que han transcendido por la fuerza de su narrativa. Muchos lo conocen como el director de la Patagonia; confiesa que él mismo edita sus películas en casa, y nos habla de su hijo Nicolás, quien le pone música a su vida y a sus películas.
Ingresa a la sala de prensa con una chalina, saluda a todo el mundo, mientras algunos flashes iluminan sus cortos pasos. Se le nota algo cansado pero aún así sostiene en el rostro una sonrisa. Aquí una entrevista donde Sorín se tumbó muchos mitos, y nos demostró involuntariamente que existe un argentino sin ego.
Carlos tú incursionas en el cine mediante la publicidad
Sí, yo vengo de la publicidad lamentablemente.
¿Por qué lamentablemente?
Bueno la publicidad me dio algo que es fundamental para hacer cine, me dio plata, después, tienes que comenzar a desaprender todo lo que aprendiste ahí, para luego encarar un largometraje.
En publicidad trabajaste casi diez años en Colombia.
No, no fue tanto, en Colombia estuve pocos años, son casi treinta años de cine publicitario, he podido hacer un poco menos, pero bueno (risas).
Por qué después de trabajar con un súper actor como Daniel Day-Lewis, decides hacer películas con actores que no son profesionales.
Con Daniel Day-Lewis hice una película que era espantosa (risas). No fue culpa de Daniel, fue culpa mía, y después de mucho tiempo regresé hacer cine. Depende de qué te propongas con una película, hay películas que necesitan actores, y películas que son mejor hacerlo sin actores profesionales. Por ejemplo, en mi última película tengo un entrenador de boxeo, que hace cuarenta años es entrenador de boxeo, es mucho más fácil explicarle a él como actuar, que a un actor como es el tema del boxeo, es muchísimo más simple. O un guía de pesca, que le vamos estar enseñando a un actor como se pesca, más vale agarrar un guía de pesca y le enseñamos como se actúa, es mucho más fácil.
Sorprende el talento que tienes para dirigir actores…
No actores (risas). Los actores también me gustan dirigirlos, con los no actores no tengo ningún método, porque cada caso es un caso único, tienes que ir viendo por dónde lo encaras. Y con los actores tampoco tengo un método, yo se que dirijo actores y lo hago razonablemente bien, pero no aprendido un método, lo hago porque lo siento, y trato de comunicarme con los actores, si el actor es bueno establecemos una buena química, una buena relación, pero no ensayo nunca, esa es la única metodología. Y el hecho de no ensayar nunca es porque pienso que en el ensayo salen las mejores cosas y después nunca más las voy a volver a ver, entonces, filmó siempre.
Con “Historias mínimas” y la Patagonia se puede decir que comenzó un cambio en tus películas.
Sí, claro, allí había pasado once años desde que hice la película “Eterna sonrisa de Nueva Jersey” con Daniel Day- Lewis, y es como una nueva ópera prima, empecé una segunda parte de mi carrera, una segunda carrera muy distinta a la anterior y en la que todavía estoy.
Sorín junto al protagonista de Historias mínimas Antonio Benedicti
¿Qué te ha dado la Patagonia, que no te ha dado otros lugares?
Te da hoteles de una estrella, pésima comida, viento perfecto (risas). No es un lugar cómodo, si uno busca un lugar cómodo y placentero para filmar, la Patagonia no es aconsejable.
¿Y por qué insistir en la incomodidad?
No sé, hay algunas cosas de soledad, de distancia, de paisajes y rutas infinitas, estaciones de servicios, moteles, y a mí me gusta mucho ese tipo de locación, pero mis historias no son patagónicas, mis historias podrían suceder en cualquier parte, no son estrictamente de la Patagonia, y después como me dicen Sorín es el director de la Patagonia, entonces, voy y filmó allá para confirmar esa etiqueta, viste, hay magia (risas).
Háblame de la experiencia de trabajar con tu hijo Nicolás haciendo cine, prácticamente son un dúo.
Sí, pues ya llevamos seis películas, al principio en la relación padre e hijo, se imponía la relación director –músico, pero ahora ya no, él ha crecido mucho y además es un excelente músico de cine, y lo tengo porque es un excelente profesional, y nuestra relación es muy profesional en el sentido que si a mí no me gustan las cosas se lo digo, ahora cada vez menos, porque cada vez la acierta más de entrada, y tenemos una relación muy fluida, sabemos que ninguno de los dos va perdonar algo (risas).
Después de ver tus películas me da la sensación de que tienes el espíritu de un monje tibetano, porque nos haces recordar que somos humanos.
(Risas). Yo creo que en general, salvo “El gato desaparece”, son películas rurales, no sé cómo será en Perú, pero en Argentina, la vida rural es totalmente distinta a la vida de las grandes ciudades y a la de Buenos Aires, la tensión, la agresión, que es muy fuerte que se vive en la grandes ciudades y en Buenos Aires especialmente a la Patagonia llega como con sordina, como una cosa lejana, los tiempos son otros, la gente es otra, hay más calma, y esa sensación de calma tiene que ver con que mis historias son rurales.
Pero siempre subrayas el hecho de darle valor a esas pequeñas cosas.
Sí, porque en esos contextos esas cosas tienen su valor. Recuerdo que cuando se estrenó “Historias mínimas” en Buenos Aires, muchos de los comentarios eran esos, era como la vieja Argentina, eso de llevar una torta, son cosas que en Buenos Aires era imposible. Y cuando se estrenó tenía como una resonancia, a un Buenos Aires de la infancia de uno, que ya esas cosas se perdieron.
En tu última película “Días de pesca” comienzas sin hacernos saber que le sucedió al protagonista…
Sí, porque sino sería una telenovela, no tiene importancia que pasó atrás, si es que se peleó con su mujer, por qué motivo, todo eso el espectador lo completa como quiere, no pasa por ahí la película. Entonces, en el proceso aporto la menor cantidad de datos posibles para que el espectador tenga más zonas para reconstruir lo que está pasando. Tampoco es una película enigmática donde tienes que descubrir algo.
Escena de la película Días de pesca
En tu película “Días de pesca” uno de los grandes logros es el final ¿lo pensaste mucho?
No, yo lo tenía ese final, pero hice varias versiones, la historia viene de la época de “Historias mínimas”, ese final para mí es importante, si bien yo no creo, porque soy pesimista, que él va ser otra persona y que va salir definitivamente del alcohol, y va restablecer la relación con su hija y con su nieto que acaba de conocer, yo no creo en eso, aunque la película lo deja abierto, aunque el espectador puede pensar que sí. Pero a mí me parece importante, es que él sabe y yo creo que eso es lo que lo pone feliz, que en caso extremo y ante la muerte, no va estar solo.
En los últimos años hemos tenido la perdida de varios directores argentinos, cuando te enteras que directores como Fabián Bielinsky o Leonardo Favio, han muerto ¿qué te pasa por la cabeza?
Bielinsky durante muchos años fue asistente mío, fue mí asistente de dirección, eso fue un golpe duro. Favio ya era un hombre mayor, como que la gente ya estaba preparada porque que Favio estaba enfermo durante muchos años. Pero lo de Fabián Bielinsky fue un golpe, y estaba manejando y me llama mi asistente, y me dice acaba de morir, no puede ser dije yo, con el éxito servido.
Algunos dicen que lo mató el estrés y el cigarro…
No, creo que él tenía problemas de tensión, creo que la filmación de “El Aura” fue muy dura, y una de las cosas que yo contemplo, porque realmente el cine necesita un gasto físico importante, uno tiene que tratar a pesar de la edad estar más o menos en training. Cuando me voy a una filmación, en todas mis cosas llevo siempre una cinta de correr, y la llevo dentro del equipo, va con los faroles.
¿Entonces, ese es el secreto de que se te vea tan joven?
Cada uno lo hace a su manera, pero hay que estar físicamente en la forma razonablemente buena, porque es un esfuerzo, es un estrés permanente, hay películas que el director tiene que tomar cantidad de resoluciones y decisiones todos los días, y que eso te estresa. En las filmaciones grandes tienes a cuarenta o cincuenta personas exigiéndote cosas, recuerdas las clases como “La Noche Americana” de Truffaut. Bueno y eso estresa, pero eso no lo puedes cambiar, lo que tienes que estar es primero, en buena forma física o lo mejor que puedas y después, cierta calma.
¿Piensas en la muerte?
En la muerte pienso siempre, además cuando uno llega a cierta edad ya es inevitable no pensar en la muerte. La muerte está muy presente en mis películas, yo creo que todas las obras que hace el hombre sino tuviera la muerte seríamos inmortales, y sería irrelevante, yo creo que esa tragedia le da grandeza a la gran novela, a la gran película.
¿Qué opinas de la tecnología que ha cambiado el cine de alguna manera?
Sí, para mejor, “Días de pesca” es mi primera película digital, a mÍ me costó dejar el celuloide, pero vos ves que hay situaciones que con la cámara y el monitor, ves mucho más de lo que ves con tu ojo, y dices: diablos. Entonces, no voy a necesitar de llevar faroles, y todo se vuelve más fácil, y el tema de costos, también es tema de eficacia. Ya hace años que está instalada toda la edición digital, ya nadie salvo Almodovar, nadie edita en la tabla. Además, es más rápido porque vos vas a probar muchas más variantes de edición, eso es lo importante, es un tema creativo, no es un tema de economía.
¿Se puede experimentar más?
Puedes experimentar más y sin tiempo, antes hacer una modificación de un armado de una escena eran horas, tenías que ir al canasto a buscar un pedacito de película, al final uno decía: bueno ya hagámoslo así nomás. Yo creo que es un tema mental, o sea la mente del director se vuelve muchísimo más rápido con la tecnología actual, y la mente del espectador con el cine actual también es muchísimo más novedoso, hay cosas con el cine actual que hace veinte años el espectador no lo podía entender.
¿Cuál es el error más frecuente que notas en los nuevos cineastas?
Mira, yo te voy a decir una cosa. Creo que hay muchos directores que seguramente tienen talento, pero no para el cine, digamos, podrían ser buenos administradores de empresa, buenos deportistas (risas). Yo creo que el talento del director es lo que define una película, y no ves ese talento, ese talento no lo puedes aprender en las escuelas. Los grandes directores tienen talento, y también requieres un equipo con talento, actores con talento y escritores con talento. Yo creo que por esa facilidad que da el cine y que ahora todo el mundo puede hacer una película, hay muchos que tienen talento pero para otra cosa, realmente lo pienso (risas).
¿Y qué piensas de las escuelas y las facultades de cine?
Yo creo que en la escuela se puede aprender algunos oficios, no sé si el oficio de un guionista, o la fotografía y edición, algunas cosas que son cursitos cortos, la dirección hace quince años podrías aprender algo porque todavía se respetaba el eje, ahora ya no, el cine ha cambiado enormemente en este aspecto, y la formación de un director de cine es la vida, es como siente uno la realidad, los libros que lee, las películas que ve, los museos que va, los conciertos que asiste, todas las relaciones que tiene con su familia, ese es el director, allí se hace (risas).
Alexander Payne dijo “antes de ser cineasta y director soy un amante de las películas”.
Yo creo que lo que dice Alexander es fundamental, el director tiene que ser un cinéfilo, yo aprendí cine en los cines, a pesar que fui a una escuela de cine, y ahora que es mucho más fácil comprarse en “Polvos azules” lo que quieras, o lo bajas por internet. El director tiene que ser un apasionado de las películas, pero sin duda.
¿Qué te ha parecido este año el Festival de Cine de Lima?
La programación que tiene el festival es bárbara, al margen de la sección oficial, las otras secciones y las muestras paralelas, todo arma un abanico que para cualquier cinéfilo de cualquier parte del mundo esto es un gran festival. No tendrá el glamur que tienen otros festivales, pero si tiene lo más importante de un festival que son las películas.
Conocemos a Carlos Sorín cineasta, pero cómo es el otro Carlos Sorín, el de casa y las parrillas
No hay, ese es el drama (risas). Es que te cruza la vida de punta a punta, yo nunca he podido separar, siempre estoy pensando en la próxima película, pensando en la edición, siempre estoy en algún momento del proceso, obviamente tengo familia, tengo hijos, pero es imposible decir ahora me voy a tomar una semana de vacaciones, o decir me despejo la mente, es imposible, hay una cierta obsesividad que no es del oficio del director, sino es mío, en el cual no puedo distraerme, yo edito en mi casa, tengo una sala de edición, y allí edito solo, y son prácticamente dos meses y medio a tres meses, y estoy sentado en la mesa con mi familia y estoy con piloto automático, te conté esto, pero no soy yo, la mente está en la sala de edición, en el corte, y en lo último que hice (risas). Y creo que nunca lo podría separar, pero ojo, veo que es una cosa negativa mía.
Muchas personas dicen que Carlos Sorín no parece argentino porque es muy humilde…
No creas ah (risas). Esa es una de las facetas, te puedo mostrar las otras (risas). No, no creas, un director no tiene que ser humilde, se hace le humilde que es distinto, pero yo creo que una de las cosas, no sé si se aprende o no se aprende, dirigir una película es un ejercicio de autoridad, realmente tienes que ejercer una autoridad bien entendida, nada de militar, pero si mantener en el conjunto del equipo una autoridad, ya que el cine es así (risas).
Para finalizar, un mensaje a los jóvenes que van a comenzar hacer cine.
Piénsenlo bien, piénsenlo dos veces (RISAS).
ENTREVISTA PUBLICADA EN LA REVISTA IMPRESA LIMA GRIS N° 6
LA PUEDES DESCARGAR AQUÍ https://www.limagris.com/descarga-la-revista-lima-gris-n-6-con-solo-un-click/
Cine
Premios Oscar: Oppenheimer se llevó siete estatuillas doradas
Película dirigida por el cineasta Christopher Nolan fue galardonada como mejor película y mejor director.
El ‘padre’ de la bomba atómica remeció anoche el Dolby Theatre de Hollywood. La cinta dirigida por el multifacético director británico Christopher Nolan se consagró como la mejor de la ceremonia en los premios Oscar 2024, llevándose consigo siete estatuillas doradas, incluida el de mejor película, mejor dirección, mejor actor principal, mejor actor de reparto, mejor banda sonora, mejor edición, y mejor fotografía.
La cinta de Universal Pictures se impuso a las favoritas “Killers of the Flower Moon”, “Anatomía de una caída”, “Poor Things” y otras destacadas producciones.
“Oppenheimer” es un drama histórico que explora la vida de J. Robert Oppenheimer, el científico que lideró el Proyecto Manhattan para desarrollar la bomba atómica. La película ha sido elogiada por su dirección, las actuaciones del elenco, la cinematografía y su tratamiento de un tema complejo e importante.
Con este premio, “Oppenheimer” se consolida como una de las películas más importantes del año. La cinta ha logrado un gran éxito de crítica y taquilla, y ahora se suma a la lista de películas ganadoras del Oscar a Mejor película.
En una gala con pocas sorpresas, en la que se cumplieron la mayoría de las quinielas de críticos y aficionados, también resultó multipremiada “Pobres criaturas” (Poor Things).
Una de las 4 estatuillas con las que se hizo el filme del griego Yorgos Lanthimos fue para Emma Stone como mejor actriz, por encarnar a la protagonista, Bella Baxter.
El Oscar que se llevó Da’Vine Joy Randolph como mejor actriz de reparto fue el único para “Los que se quedan” (The Holdovers), y el de Billie Eislish por su canción ‘What Was I Made For?’ el único para el gran éxito de taquilla de este año, Barbie.
“Los asesinos de la luna” (Killers of the Flower Moon) se fue a casa sin ningún reconocimiento, a pesar de contar con 10 nominaciones.
Aquí la lista de los ganadores en las más importantes categorías:
- Mejor película: Oppenheimer
- Mejor dirección: Oppenheimer – Christopher Nolan
- Mejor actriz protagonista: Emma Stone – “Pobres criaturas” (Poor Things)
- Mejor actor protagonista: Cillian Murphy – Oppenheimer
- Mejor actriz de reparto: Da’Vine Joy Randolph – The Holdovers (“Los que se quedan”)
- Mejor actor de reparto: Robert Downey Jr. – Oppenheimer
- Mejor guion original: Anatomy of a Fall (“Anatomía de una caída”) – Justin Triet, Arthur Harari
- Mejor guion adaptado: American Fiction – Cord Jefferson
- Mejor edición: Oppenheimer
- Mejor película internacional: “La zona de interés” (The Zone of Interest)
- Mejor película animada: Kimitachi wa Dō Ikiru ka (The Boy and the Heron, “El chico y la garza”)
- Mejor cortometraje animado: War is Over! Inspired by the music of John & Oko – Dace Mullins, Brad Booker
- Mejor maquillaje y peluquería: “Pobres criaturas” (Poor Things)
- Mejor diseño de producción: “Pobres criaturas” (Poor Things) – Diseño de producción: James Price y Shona Heath, Decoración de escenografía: Zsuzsa Mihalek
- Mejor diseño de vestuario: “Pobres criaturas” (Poor Things)
- Mejores efectos visuales: Godzilla Minus One
- Mejor película documental: 20 Days in Mariupol (“20 días en Mariúpol”)
- Mejor cortometraje documental: The Last Repair Shop
- Mejor fotografía: Oppenheimer
- Mejor cortometraje de ficción: The Wonderful Story of Henry Sugar – Wes Anderson, Steven Rales
- Mejor sonido: “La zona de interés” (The Zone of Interest)
- Mejor banda sonora original: Oppenheimer
- Mejor canción: What Was I Made For? – Barbie
Cine
Este 4 de abril se estrena a nivel nacional la película peruana “Yana-Wara” [VIDEO]
Película póstuma del notable director Óscar Catacora podrá ser disfrutada en Lima y regiones. Imperdible.
La película póstuma de Óscar Catacora codirigida junto a su tío Tito Catacora, “Yana-Wara”, confirma su estreno para el 4 de abril en las principales salas de cine de Lima y regiones.
Realizada por los mismos creadores de las laureadas “Wiñaypacha” y “Pakucha” se trata de un largometraje hablado en lengua aymara, que presenta una historia sobrecogedora con elementos de cine de horror y drama social, que nos acerca a la visión de la vida, la muerte y los misterios de la cosmovisión del universo aymara.
Basada en una idea original de Óscar Catacora, filmada en blanco y negro, en escenarios naturales de Conduriri, en El Collao, Puno, y con una fotografía impresionante Yana-Wara está inspirada en las creencias, testimonios y mitos acerca de la fuerza de la naturaleza y las presencias positivas y negativas que rigen la vida de las comunidades altoandinas.
También nos habla de la existencia de maldiciones que surgen cuando se rompe el orden cósmico y aparecen entes malignos como el Anchanchu, que habita en las cuevas, y la Malahora, tiempo siniestro que trae desgracias que destruyen y castigan.
La trama
El filme narra la historia de Yana-Wara (Estrella del amanecer), una niña de 13 años marcada por la fatalidad desde su nacimiento, cuando su madre muere al darla a luz y al poco tiempo su padre fallece, fulminado por un rayo.
Huérfana bajo el cuidado de Don Evaristo, su abuelo, Yana-Wara crece en un ambiente rural de soledad, rodeada de cerros, en medio de la naturaleza y sus animales.
El abuelo buscando que su nieta se eduque, la lleva a la única escuelita rural de la comunidad para que el nuevo profesor recién llegado, le enseñe a leer y escribir. Lo que parece una oportunidad de mejorar la vida de Yana-Wara, se convierte en el inicio de una tragedia conmovedora y a la vez aterradora, cargada de misterio y situaciones de crudo realismo.
El relato está teñido de fantasía, misticismo y horror. Lo sobrenatural está siempre presente así como la muerte. Yana-Wara es una niña tocada por el mal, atormentada y acosada en la realidad y también por entes malignos a los que es necesario exorcizar. Don Evaristo en su deseo de salvar a su amada nieta de un destino terrible y lleno de dolor, toma una decisión extrema que trasciende a toda la comunidad.
Yana-Wara toca temas como la violencia de género, machismo, la discriminación, la condición de la mujer en las zonas altoandinas y la justicia intercultural vigente en muchos lugares del país.
En la película, la justicia comunal acusa al abuelo de haber asesinado a su nieta y tendrá que definir el castigo de acuerdo a la cosmovisión aimara que los rige. Un proceso que lleva a la reflexión y a mirar la realidad con otros ojos.
El filme está protagonizado por la debutante Luz Diana Mamami, como Yana-Wara; Cecilio Quispe en el personaje del abuelo Don Evaristo, Juan Choquehuanca, Irma D. Percca y José D. Calisaya. La película es producida por Cine Aymara Studios y fue realizada gracias al premio a la producción del Ministerio de Cultura.
Esta esperada película, que continúa la senda dejada por la multipremiada película Wiñaypacha, se estrenará el 4 de abril de la mano de la distribuidora V&R Films en cines de Lima y regiones.
Cine
Cine: “Encantados”, una aventura mágica
Película animada para toda la familia se estrena a nivel nacional el 25 de enero.
Cine
Edith Piaf está de vuelta: alistan película biográfica de la cantante generada con IA [VIDEO]
Voz e imagen de la cantante parisina regresarán gracias a la tecnología, según lo informó Warner Music.
El ‘Gorrión’ de Paris volverá a cantar en este nuevo milenio. La voz e imagen de la mítica cantante francesa Edith Piaf serán recreadas con Inteligencia Artificial (IA) para la realización de ‘Edith’, una película biográfica sobre la destacada artista del país galo.
Warner Music Entertainment informó que se ha asociado con la productora Seriously Happy para hacer una película de 90 minutos de duración narrada por la voz de Édith Giovanna Gassion (su nombre original) que “descubrirá aspectos de su vida hasta ahora desconocidos”.
En el comunicado, las productoras explican que la imagen y voz de Edith Piaf serán recreadas gracias a la tecnología de IA que fue entrenada con cientos de archivos, algunos de hace más de 80 años, “para realzar aún más la autenticidad y el impacto emocional de su historia”.
“La animación ofrecerá una visión moderna de su historia, mientras que la inclusión de imágenes de archivo, actuaciones en el escenario y en televisión, imágenes personales y entrevistas televisivas proporcionarán al público una visión auténtica de los momentos significativos de la vida de Piaf”, dice el anuncio.
La cinta está ambientada en las ciudades de París y Nueva York, y comprende la época de 1920 a 1960.
El proyecto promete ofrecer una visión moderna de su historia, mostrando logros personales y actuaciones icónicas de la intérprete de ‘Non, je ne regrette rien’.
La idea original es de la directora y guionista Julie Veille, responsable de películas de televisión como Diana Ross, suprême diva (2019) y Stevie Wonder: Visionnaire et prophète (2019), y comparte créditos de escritura con Gilles Marliac.
“Su historia es una muestra de increíble resistencia, de superación de luchas y de desafío a las normas sociales para alcanzar la grandeza, y es tan relevante ahora como lo fue entonces”, dijo Veille en un comunicado.
Por su parte, Catherine Glavas y Christie Laume, las albaceas del patrimonio de Piaf, expresaron lo “especial y conmovedor” que resultaba la experiencia de volver a escuchar la voz de la cantante gracias a la tecnología IA.
“Se siente como si estuviéramos de nuevo en el cuarto con ella”, apuntaron.
La vida del ‘Gorrión’ estuvo marcada por la tragedia y los excesos al haber vivido una infancia azotada por la necesidad y la miseria, y una vida adulta golpeada por la muerte de su única hija y de su amado, el boxeador Marcel Cerdán, y problemas con su adicción a la morfina.
Cine
Marco Panatonic: “En Perú hay un fascismo que quiere destruir el cine”
Largometraje “Kinra”, del cineasta cusqueño Marco Panatonic, ganó el premio a Mejor Película Internacional en el Festival de Cine de Mar del Plata. El cine peruano continúa cosechando premios internacionales.
“Kinra”, opera prima del cusqueño Marco Panatonic, acaba de ganar el Astor Piazzolla de Oro, a mejor Película Internacional en la Competencia del Festival de Cine de Mar del Plata, que este año va por su 38° edición.
El largometraje de Panatonic, aborda una realidad innegable en Latinoamérica; el tema de la migración que toca a todos los que alguna vez hemos salido de nuestros terruños. Y sin duda, el enfoque visual de “Kinra” nos narra un testimonio que no necesita mayor relato, que sus propias imágenes.
El cineasta peruano celebra el triunfo de su película en Mar de Plata.
Panatonic agradeció al festival por permitirle estrenar el filme en Latinoamérica y en especial, a su equipo de trabajo, porque “ha puesto el cuerpo para caminar por los Andes”.
“Me llevo una gran experiencia. Estaba dudando de si puedo hacer cine y seguiré dudando, porque en Perú hay un fascismo que quiere destruir el cine. Hay que seguir luchando”, aseveró el director en su discurso durante la ceremonia.
Marco Panatonic, estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad Nacional San Antonio de Abad; sin embargo, tiene una formación autodidacta en cine y también experiencia en el área técnica de diversas producciones. No por algo, participó en años pasados en uno de los festivales de cortos más importantes de la región, el FENACO, y hoy ya puede gozar de los logros, luego de un arduo trabajo.
Cine
35° Festival de Cine Europeo de Lima llega con 55 películas de estreno
La 35 edición del Festival del Cine Europeo de Lima se realizará del 16 al 30 de noviembre en Lima, Cusco, Arequipa, Piura, Trujillo y Chiclayo.
El Festival del Cine Europeo de Lima está de vuelta en su 35ª edición del 16 al 30 de noviembre de 2023 prometiendo dos semanas llenas de cine europeo de primer nivel gracias a sus organizadores: las embajadas de los Estados miembros de la Unión Europea en el Perú, la Delegación de la Unión Europea y la Filmoteca de la Pontificia Universidad Católica del Perú.
Esta edición trae consigo una emocionante selección de 55 películas procedentes de 18 países europeos, como Alemania, Austria, Bélgica, España, Finlandia, Francia, Grecia, Hungría, Italia, Países Bajos, Polonia, Portugal, Rumanía, además de Dinamarca, Bulgaria, Malta, Croacia, Estonia y la participación de Ucrania y Perú.
Los amantes del cine tendrán la oportunidad única de sumergirse en la riqueza de la cinematografía europea y descubrir historias de toda la Unión Europea.
La programación detallada se encuentra disponible en www.festivaldecineeuropeo.pe. Con un total de 179 funciones programadas, distribuidas en 18 sedes en Lima y 8 en provincias, que incluyen Cusco, Arequipa, Piura, Trujillo y Chiclayo, el Festival se asegura de que todos tengan la oportunidad de acercarse a la cinematografía europea y encontrar historias que se adapten a sus gustos.
Premio del público
El 35° Festival del Cine Europeo de Lima marca el regreso del Premio del Público permitiendo a los seguidores elegir la película más destacada del evento, convirtiendo también a los asistentes en protagonistas de la celebración cinéfila.
Presidencia española
En esta edición, el Festival estará bajo la presidencia de España, cuya Embajada presentará entre otras películas, en estreno exclusivo, “As bestas” de Rodrigo Sorogoyen, Premio Goya 2023 a la mejor película entre las 9 distinciones que recibió como la de mejor director, mejor actor o mejor actor de reparto.
Además, se realizará un homenaje al genio creativo y el legado cinematográfico del aclamado director español Carlos Saura, proyectando cinco de sus icónicas películas, incluyendo “Cría cuervos” y “Ay, Carmela”.
El Festival también presentará una selección de películas peruanas. Se explorarán temas históricos y sociales a través de una selección de seis largometrajes, tres de España y tres de Perú, que abordan el posfranquismo de los años 70 y la violencia armada interna de los años 80, respectivamente.
Ucrania, país invitado
También, a través del lente cinematográfico, el Festival ofrecerá una mirada al impacto del conflicto bélico en Ucrania a través de cuatro películas, incluyendo un drama ficcionado y tres documentales, que arrojarán luz sobre los desafíos que enfrentan las personas en ese país en la actualidad.
Talleres profesionales
Finalmente, por quinto año consecutivo, el Festival de Cine Europeo contará con el laboratorio de formación en cinematografía CINELABS, organizado por el grupo de Institutos Culturales Europeos en Perú (EUNIC) espacio que convocará a expertos internacionales en temas como redacción de guiones, corrección de color, nuevas tecnologías, fotografía, animación, dirección de arte y sonido.
Cine
Los ‘Buenos Muchachos’ retornarán a la pantalla gigante [VIDEO]
Película de Martin Scorsese será reestrenada desde este 2 de noviembre.
Los ‘Buenos Muchachos’ (Goodfellas) están de regreso. Con más de tres décadas de su estreno original, UVK Multicines trae a sus pantallas este clásico en alta definición que reúne a Ray Liotta, Paul Sorvino y los galardonados Robert de Niro y Joe Pesci.
Una de las películas más influyentes del cine clásico de gangsters, Goodfellas, en español Buenos Muchachos, regresa al cine en versión remasterizada y en alta definición a través de las pantallas de UVK Multicines este 2 de noviembre.
Estrenada en 1990, el director italo-americano, Martin Scorsese entregó una de las mejores películas del cine moderno que expone el fascinante, misterioso y violento submundo de las familias de la mafia neoyorquina, a través de la vida de Henry Hill.
Buenos Muchachos cuenta la historia del ascenso y caída de este gángster italo-irlandés-americano que, entre los años 50’s y 80’s, se hizo rico a costa de robos, asaltos, tráfico de drogas, complicidad en asesinatos, otros crímenes y delitos con sus secuaces Paul Cicero, Tommy DeVito y Jimmy Conway.
La cinta reúne a un reparto de lujo conformado por Ray Liotta, Paul Sorvino, Joe Pesci, quien se hizo acreedor de un Premio Oscar como Mejor Actor de Reparto gracias a su performance en el filme, y Robert de Niro, dos veces ganador del premio a Mejor Actor de la Academia.
Nominada a seis premios Oscar, ganadora de cinco premios por parte del BAFTA y nombrada como Mejor Película del año por el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York y por la Asociación de críticos de cine de Los Ángeles, además que la cinta Buenos Muchachos fue declarada de “importancia cultural” y fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos.
Considerada por muchos la mejor película sobre mafiosos, ahora podrás verla en pantalla grande y en exclusiva desde este 2 de noviembre en los cines UVK San Martín del Centro de Lima y UVK Platino Panorama de Surco.
Cine
Película ‘La naranja mecánica’ se reestrenará en las salas de cine peruanas
Obra maestra de Stanley Kubrick podrá ser disfrutada desde este jueves en distintas cadenas de cines.
A ‘videarnos’. Stanley Kubrick está de vuelta y desde este jueves ‘La naranja mecánica’ (A clockwork Orange) regresará a las salas de cine para celebrar los 100 años de la Warner Bros. A fines de setiembre, le tocó a la mítica trilogía de ‘Batman: The Dark Knight’ y ahora es el turno de la película dirigida por Kubrick y protagonizada por Malcolm McDowell, a quien volveremos a ver en su papel como Alex DeLarge en una versión remasterizada que ofrece una mejor experiencia auditiva y visual para el público.
Esta cinta, que está basada en el libro homónimo de 1962 escrito por el británico Anthony Burgess, llegará a los cines de nuestro país el jueves 19 de octubre de 2023. La película tiene una duración total de 136 minutos, es decir, 2 horas y 16 minutos; además, debido a la gran cantidad de violencia, está dirigida únicamente para mayores de 18 años.
La película sigue la historia de Alex DeLarge, un joven delincuente y líder de una pandilla, mientras es sometido a un controvertido experimento de reacondicionamiento conductual. A través de esta trama intrincada, la película plantea preguntas éticas y filosóficas sobre el poder, el libre albedrío y la moralidad; desafiando a los espectadores a reflexionar sobre la naturaleza humana y la sociedad en la que vivimos.
‘La naranja mecánica’ tuvo múltiples nominaciones a los Premios Óscar, Globos de Oro y BAFTA, sin embargo, no alcanzó el éxito y se quedó sin levantar dichas estatuillas. Un destino distinto registró en los Premios del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York (NYFCC Awards), en donde obtuvo galardones a mejor película y a mejor director. Otro premio importante que ganó fue en el Festival de Cine de Venecia, en el cual resultó vencedor en la categoría de mejor película extranjera.
La película podrá verse únicamente en las salas de cine seleccionadas de Cineplanet, Cinemark, Cinépolis, UVK, y Cinestar, entras otras, por lo que es recomendable que ingreses a la página web de tu cine favorito para revisar dónde estará disponible, los horarios y el precio de las entradas.
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