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17 Festival de Cine de Lima: Diego Quemada-Diez “La Jaula de oro es un homenaje a los inmigrantes”

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DIEGO QUEMADA-DIEZ

“La Jaula de oro es un homenaje a los inmigrantes”

Entrevista Luis Felipe Alpaca
Fotos Erick Cuichap

El director Diego Quemada-Diez, es un poeta del cine, y un cuestionador incansable de la maquinaria comercial que le rinde tributo a la globalización. Para ello, se ha propuesto a contarnos la historia de los inmigrantes centroamericanos que día a día viven el riesgo mortal de no regresar, solo por intentar buscar un mundo mejor. Y La jaula de oro, su ópera prima, ya está dando que hablar en el Festival de Cine de Lima.

Naciste en España pero hoy eres mexicano ¿Qué buscabas?

Me fui de mi país buscando una vida mejor, huí de alguna manera de la muerte de mi madre, y me fui a vivir a los Estados Unidos, y estaba muy influenciado por la música estadounidense, y por el cine, y muchas cosas que uno piensa que se va a encontrar allá; y ese proceso mío de aprendizaje de decir: ese lugar ideal no está fuera de ti, no está en un lugar concreto. Porque eso provocaría que fuera una búsqueda insaciable, y la felicidad no está en un lugar concreto.

¿Cómo te surgió la idea de la Jaula de Oro?

A partir de una reflexión personal, traté de combinar  el viaje heroico de los inmigrantes, y pensé que iba a ser un poema épico. Y al final todos vamos a enfrentar la muerte algún día, pero ellos deciden voluntariamente enfrentar la muerte, y jugarse la vida por ayudar a sus seres queridos  ante la impasibilidad de los países expulsores y receptores, y no se está haciendo nada de esta problemática de la globalización, de la desigualdad social, del norte y sur, y ellos desafían la legalidad solo para ayudar a su gente; y de hecho existen teóricos que dicen que si no fueran por las remesas en los países de Sudamérica, pues, ya habrían revoluciones desde hace muchísimo tiempo.

¿Te implicó mucho tiempo cristalizar esta reflexión hecha película?

La investigación me ha llevado más de siete años, y me dije, voy a humanizarlos, quiero hacerlos héroes, pero también poder matizar, y les quiero poner defectos, pues, de alguna manera no hacerlos perfectos, sino hacerlos humanos.

Lo que traté con la película es contar un viaje personal e interno mío, además del viaje de los inmigrantes, y hacer una combinación entre el otro, y yo. Y uno trata de recopilar testimonios como una esponja, e irse empapando, y luego pasarlo a través del sentimiento personal para poder contar una historia que pueda llegar al corazón de las personas, y que también pueda provocar reflexión sobre esta problemática. Pero siempre partiendo de una cuestión muy personal porque todos tenemos sueños, y necesidades personales.

¿No sentiste esa inseguridad de cómo podía terminar el proyecto final, por el simple hecho de ser un tema tan tocado como complicado?

En el 2003, cuando yo empecé a investigar este tema, yo estaba en las líneas del tren en Sinaloa con unos amigos, y llegaban siempre los inmigrantes, y nos pedían comida, tortillas, agua, zapatos, y en esa época nadie hablaba de ese tema, ni salía en los periódicos, ni se publicaba en ningún lado, y así ha sido en los últimos años.

Y en esos momentos yo mismo me decía: tengo que comunicar a otros lo que viven estas personas, y ya luego se hablado mucho del tema, y allí fue donde mucha gente me dijo: para qué iba a hacer otra película más de inmigrantes, y eso me hizo pensar primero que no debía hacer la película. Pero yo sabía que lo que yo iba a contar no tenía nada que ver con lo que contaba el resto, y la problemática de la inmigración como decía Kapuscinski, es el problema más importante del siglo XXI.

¿Crees que Estados Unidos en el fondo alimenta la exclusión?

Hay una gran hipocresía de cómo se plantea todo esto de la libertad, y los derechos humanos, cuando la realidad la vemos todos los días con Estados Unidos. Los políticos hablan unas cosas muy bonitas, pero la realidad es que sus acciones no tienen ninguna coherencia; por ejemplo, con Obama, las deportaciones en los Estados Unidos nunca antes han sido más altas, y él también habla de la defensa del medio ambiente, cuando en realidad se halla apoyando la manipulación genética de los cultivos.

¿Qué es hacer cine?

Yo trato de reconocer que el cine es un arte totalmente manipulador, porque cuando el público está dentro de una sala oscura, con las luces apagadas, y solo le mostramos una pequeña parte de la realidad, y el espectador nos está abriendo y mostrando toda su inocencia para que nosotros depositemos en ellos una determinada visión del mundo. Y decía mi poeta favorito  que la manipulación del espectador en el cine es solo justificable cuando existe un gran motivo poético.

¿Y Hollywood?

Yo creo que mucho de lo que hace este cine, es que nos idiotiza, y quiere que perdamos esa capacidad reflexiva, o crítica.

¿Y el cine independiente?

Parte de lo que nosotros estamos haciendo es heredero del neorrealismo italiano, porque queremos hacer un cine que está comprometido con las cosas de la gente. Y de alguna manera se quiere provocar empatía por el otro, y tratar de producir mayores conexiones, y puentes. Y en el caso de La jaula de oro, es lo que tú puedas sentir por un indígena, a partir de ese conflicto entre un mestizo y un indígena, y hablar entre dos choques de forma de ver el mundo, y así poderse hermanar.

¿Acaso tienes tendencias socialistas?

No se trata de izquierda, ni de derecha. Parte del ser humano es plantearse un constante cuestionamiento de lo que son las cosas, y eso está muy bien. Por ejemplo, cuando estuvimos en Cannes, una de las actrices decía: ¿Y por qué la alfombra roja? Y eso ya es un cuestionamiento. Porque el pensamiento crítico, transformador, y creativo, es importantísimo. Y yo no tengo ninguna afinidad a algún partido político.

¿Y el cine es político?

Todo cine es político. Tú te vas a ver a la última de Tarantino donde matan a más cuatrocientas personas, y te ríes, y trivializa el acto de matar al ser humano, y claro que es política, porque es una propaganda de su industria armamentista.

La jaula de oro más parece un documental, que ficción. ¿Te propusiste esa mezcla?

Sí. Desde el principio parte de mi reto fue hacer un hibrido entre un documental, y ficción. Y al final hice un hibrido con una estructura dramática, para poder tocar el corazón del espectador, y luego por otro lado inserté mis personajes con la realidad, y trabajé con inmigrantes reales, y en locaciones reales. Y a partir simplemente, de que seamos testigos de lo que está ocurriendo.

¿Ken Loach influenció en tu mirada de director?

Yo trabajé en tres películas con Ken Loach; Tierra y libertad, La canción de Carla, y Pan y Rosas.

Y gran parte del método que apliqué en mi película la aprendí de él. Y parte de lo que también aprendí de él es que los actores no conocen la historia, entonces los actores viven sencillamente una experiencia, ya no actúan, y son ellos mismos; pues, no saben lo que viene luego, y simplemente se adecúan a las circunstancias de lo que viene en el rodaje. Es una dirección indirecta, y no le dices haz esto, los dejas ser ellos mismos.

Escuché que alguna productora de Hollywood te propuso invertir en el proyecto, pero que antes tenías que convocar a Salma Hayek

Esta película me gusta porque está muy lejos de los cánones industriales, y ha sido gracias al Festival de Cannes, y a mis productores mexicanos, que esta película se pudo hacer. Pero los productores me decían que yo estaba loco, que por qué me tendrían que dar el dinero. Y eso es cierto, que incluso me llegaron a proponer que por qué no le ponía la voz en off de Salma Hayek. Eso fue en un desayuno en Hollywood, porque me decían que yo no era nadie, y que no tenía actores famosos, ni productores famosos, entonces surgió la idea de esa voz en off.

¿Cómo va el incentivo del Estado en la inversión del cine en México?

Muy positivo. Ahora hay un estimulo fiscal de la producción que consiste en una deducción de impuestos. Grandes empresas pueden dedicar parte de esos impuestos a la cultura, pero concretamente en cine. Y ese es un modelo que empezó en Brasil. Y creo que puede ser un modelo que en el Perú se pueda imitar. Porque a las empresas no les cuesta simplemente nada, y en vez de pagar sus impuestos a la Hacienda, simplemente se derivan directo a la producción de películas.

Las locaciones tan reales, y el paso a la frontera han sido bien tratadas

Creo que la atención al detalle es muy importante, y me tomó más de seis meses haciendo casting, y hubo más de seis mil niños en el mismo. Hice muchísimas fotografías, vi muchísimos lugares, y todo lo que ven en la película es el resultado de una producción muy intensa que yo hice, y luego mis gerentes de locaciones. Y teníamos ciento veinte locaciones en la película, más de dos mil extras, tres países, y una complejidad de logística y de nivel de producción inimaginable para una ópera prima.

Notable la escena de la chica que al inicio tiene que tomarse una cápsula de anticonceptivos para estar preparada a lo que se venga

Yo hablé con una chica de la vida real de nombre Sara, y cuando viajó con su mamá a los Estados y Unidos, me contó que se tenía que cortar el pelo; y luego, otra chica me contó que antes de viajar tenía que tomarse la pastilla porque sabía que podía salir embarazada, entonces junté esos dramas en la película.

¿Conociste la zona 3 de Guatemala?

Sí. Conocí las ciudades perdidas de Guatemala, y  allí estaba la zona 3. Y está muy bien, la gente es maravillosa y bien organizada; ellos mismos se hacen el alumbrado, se hacen el agua, y se turnan para la vigilancia, y están súper organizados, pese a ser terrenos invadidos.

¿Existe aún el sueño americano? Pues, Juan termina en la noche con un oscuro cielo que empieza a nevar.

Sí. Creo que logró el sueño, pero ¿a qué precio? Y, eso es un poco lo que yo quería comunicar; que más allá de un viaje tan rudo, esa sensación como que se está flotando en medio del universo, y que estás dentro de las estrellas, y poner al final todo en perspectiva. De dónde venimos, y hacia dónde vamos.

Algo curioso. Al término de la película, se visualiza en la pantalla los 600 créditos de cada uno de los inmigrantes que colaboró con la filmación.

Es que la historia sin ellos no se hubiera contado. Y esos seiscientos que aparecen, son los seiscientos que participaron en la película como extras.

Pero también hay otros seiscientos que me contaron sus testimonios, y todos esos fueron testimonios anónimos, por eso, ellos no están en los créditos, pero sí estoy agradecido con todos los inmigrantes que compartieron conmigo sus historias, porque la película se hizo en homenaje a ellos.

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Cine

Premios Oscar: Oppenheimer se llevó siete estatuillas doradas

Película dirigida por el cineasta Christopher Nolan fue galardonada como mejor película y mejor director.

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El ‘padre’ de la bomba atómica remeció anoche el Dolby Theatre de Hollywood. La cinta dirigida por el multifacético director británico Christopher Nolan se consagró como la mejor de la ceremonia en los premios Oscar 2024, llevándose consigo siete estatuillas doradas, incluida el de mejor película, mejor dirección, mejor actor principal, mejor actor de reparto, mejor banda sonora, mejor edición, y mejor fotografía.

La cinta de Universal Pictures se impuso a las favoritas “Killers of the Flower Moon”, “Anatomía de una caída”, “Poor Things” y otras destacadas producciones.

“Oppenheimer” es un drama histórico que explora la vida de J. Robert Oppenheimer, el científico que lideró el Proyecto Manhattan para desarrollar la bomba atómica. La película ha sido elogiada por su dirección, las actuaciones del elenco, la cinematografía y su tratamiento de un tema complejo e importante.

Con este premio, “Oppenheimer” se consolida como una de las películas más importantes del año. La cinta ha logrado un gran éxito de crítica y taquilla, y ahora se suma a la lista de películas ganadoras del Oscar a Mejor película.

Cillian Murphy interpreta al físico estadounidense Robert Oppenheimer. Fotograma: Universal Pictures.  

En una gala con pocas sorpresas, en la que se cumplieron la mayoría de las quinielas de críticos y aficionados, también resultó multipremiada “Pobres criaturas” (Poor Things).

Una de las 4 estatuillas con las que se hizo el filme del griego Yorgos Lanthimos fue para Emma Stone como mejor actriz, por encarnar a la protagonista, Bella Baxter.

Emma Stone junto a Daniel Dafoe en Poor Things. Fotograma: Film4 Productions.

El Oscar que se llevó Da’Vine Joy Randolph como mejor actriz de reparto fue el único para “Los que se quedan” (The Holdovers), y el de Billie Eislish por su canción ‘What Was I Made For?’ el único para el gran éxito de taquilla de este año, Barbie.

“Los asesinos de la luna” (Killers of the Flower Moon) se fue a casa sin ningún reconocimiento, a pesar de contar con 10 nominaciones.

Aquí la lista de los ganadores en las más importantes categorías:

  • Mejor película: Oppenheimer
  • Mejor dirección: Oppenheimer – Christopher Nolan
  • Mejor actriz protagonista: Emma Stone – “Pobres criaturas” (Poor Things)
  • Mejor actor protagonista: Cillian Murphy – Oppenheimer
  • Mejor actriz de reparto: Da’Vine Joy Randolph – The Holdovers (“Los que se quedan”)
  • Mejor actor de reparto: Robert Downey Jr. – Oppenheimer
  • Mejor guion original: Anatomy of a Fall (“Anatomía de una caída”) – Justin Triet, Arthur Harari
  • Mejor guion adaptado: American Fiction – Cord Jefferson
  • Mejor edición: Oppenheimer
  • Mejor película internacional: “La zona de interés” (The Zone of Interest)
  • Mejor película animada: Kimitachi wa Dō Ikiru ka (The Boy and the Heron, “El chico y la garza”)
  • Mejor cortometraje animado: War is Over! Inspired by the music of John & Oko – Dace Mullins, Brad Booker
  • Mejor maquillaje y peluquería: “Pobres criaturas” (Poor Things)
  • Mejor diseño de producción: “Pobres criaturas” (Poor Things) – Diseño de producción: James Price y Shona Heath, Decoración de escenografía: Zsuzsa Mihalek
  • Mejor diseño de vestuario: “Pobres criaturas” (Poor Things)
  • Mejores efectos visuales: Godzilla Minus One
  • Mejor película documental: 20 Days in Mariupol (“20 días en Mariúpol”)
  • Mejor cortometraje documental: The Last Repair Shop
  • Mejor fotografía: Oppenheimer
  • Mejor cortometraje de ficción: The Wonderful Story of Henry Sugar – Wes Anderson, Steven Rales
  • Mejor sonido: “La zona de interés” (The Zone of Interest)
  • Mejor banda sonora original: Oppenheimer
  • Mejor canción: What Was I Made For? – Barbie

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Este 4 de abril se estrena a nivel nacional la película peruana “Yana-Wara” [VIDEO]

Película póstuma del notable director Óscar Catacora podrá ser disfrutada en Lima y regiones. Imperdible.

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La película póstuma de Óscar Catacora codirigida junto a su tío Tito Catacora, “Yana-Wara”, confirma su estreno para el 4 de abril en las principales salas de cine de Lima y regiones.

Realizada por los mismos creadores de las laureadas “Wiñaypacha” y “Pakucha” se trata de un largometraje hablado en lengua aymara, que presenta una historia sobrecogedora con elementos de cine de horror y drama social, que nos acerca a la visión de la vida, la muerte y los misterios de la cosmovisión del universo aymara.

Basada en una idea original de Óscar Catacora, filmada en blanco y negro, en escenarios naturales de Conduriri, en El Collao, Puno, y con una fotografía impresionante Yana-Wara está inspirada en las creencias, testimonios y mitos acerca de la fuerza de la naturaleza y las presencias positivas y negativas que rigen la vida de las comunidades altoandinas.

También nos habla de la existencia de maldiciones que surgen cuando se rompe el orden cósmico y aparecen entes malignos como el Anchanchu, que habita en las cuevas, y la Malahora, tiempo siniestro que trae desgracias que destruyen y castigan.

fuente: cine aymara studios.

La trama

El filme narra la historia de Yana-Wara (Estrella del amanecer), una niña de 13 años marcada por la fatalidad desde su nacimiento, cuando su madre muere al darla a luz y al poco tiempo su padre fallece, fulminado por un rayo.

Huérfana bajo el cuidado de Don Evaristo, su abuelo, Yana-Wara crece en un ambiente rural de soledad, rodeada de cerros, en medio de la naturaleza y sus animales.

El abuelo buscando que su nieta se eduque, la lleva a la única escuelita rural de la comunidad para que el nuevo profesor recién llegado, le enseñe a leer y escribir. Lo que parece una oportunidad de mejorar la vida de Yana-Wara, se convierte en el inicio de una tragedia conmovedora y a la vez aterradora, cargada de misterio y situaciones de crudo realismo.

El relato está teñido de fantasía, misticismo y horror. Lo sobrenatural está siempre presente así como la muerte. Yana-Wara es una niña tocada por el mal, atormentada y acosada en la realidad y también por entes malignos a los que es necesario exorcizar. Don Evaristo en su deseo de salvar a su amada nieta de un destino terrible y lleno de dolor, toma una decisión extrema que trasciende a toda la comunidad.

Yana-Wara toca temas como la violencia de género, machismo, la discriminación, la condición de la mujer en las zonas altoandinas y la justicia intercultural vigente en muchos lugares del país.

En la película, la justicia comunal acusa al abuelo de haber asesinado a su nieta y tendrá que definir el castigo de acuerdo a la cosmovisión aimara que los rige. Un proceso que lleva a la reflexión y a mirar la realidad con otros ojos.

El filme está protagonizado por la debutante Luz Diana Mamami, como Yana-Wara; Cecilio Quispe en el personaje del abuelo Don Evaristo, Juan Choquehuanca, Irma D. Percca y José D. Calisaya. La película es producida por Cine Aymara Studios y fue realizada gracias al premio a la producción del Ministerio de Cultura.

Luz Diana Mamani en el papel de Yana-Wara. Fotograma: Cine Aymara Studios.

Esta esperada película, que continúa la senda dejada por la multipremiada película Wiñaypacha, se estrenará el 4 de abril de la mano de la distribuidora V&R Films en cines de Lima y regiones.

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Cine

Cine: “Encantados”, una aventura mágica

Película animada para toda la familia se estrena a nivel nacional el 25 de enero.

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Este 25 de enero del 2024 llega a todos los cines peruanos a nivel nacional “¡Encantados! Una Aventura Mágica”, una divertida película animada para iniciar el año con mucho entretenimiento. Dirigida por Jianming Huang (también director de la película animada Bobby el Erizo y nominado a un premio Emmy en 2012 por la serie Superbook), este filme es un largometraje de animación china basada en un gran clásico de su literatura del siglo IV a.c.
 
“¡Encantados! Una Aventura Mágica” lleva al espectador al mundo de Kunlun, un lugar compuesto por miles de islas donde todo el mundo está obsesionado con los espíritus oscuros, una forma de esencia venenosa que causa daños irreversibles en la mente. En ese ambiente, Bai Ze, un doctor muy reconocido, intenta defender la isla curativa de ese mal y termina destruyendo todo hasta el punto de ser expulsado por los maestros.

Siete años después, Bai Ze inicia una emocionante travesía para enmendar su error, uno que alteró la paz de Kunlun. Llega a en busca de una segunda oportunidad para traer de vuelta la paz a los habitantes de su pueblo, quienes sufren las consecuencias de un accidentado hechizo que despertó a los espíritus oscuros. Para ello, se embarca en una misión llena de aventuras mágicas y retos que deberá superar para lograr su objetivo, enfrentándose a su principal enemigo: Su ego. 
 
Acompañan en esta aventura al divertido y apasionado doctor Bai Ze, una serie de personajes que le ayudarán en su camino por buscar una cura para el mal y ayudar a todos los que le rodean.  De estos destaca la bella Jiu Wei, quien cree firmemente en el protagonista y hará todo lo posible para que el doctor logre su objetivo, poniendo a su disposición sus dotes de guerrera; también está el joven Quilin Yi, que busca su propia cura, además de su viejo amigo Huo Zhu, entre otros.
 
Apta para toda la familia, “¡Encantados! Una Aventura Mágica”, se estrena a nivel nacional este jueves 25 de enero. 

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Edith Piaf está de vuelta: alistan película biográfica de la cantante generada con IA [VIDEO]

Voz e imagen de la cantante parisina regresarán gracias a la tecnología, según lo informó Warner Music.

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El ‘Gorrión’ de Paris volverá a cantar en este nuevo milenio. La voz e imagen de la mítica cantante francesa Edith Piaf serán recreadas con Inteligencia Artificial (IA) para la realización de ‘Edith’, una película biográfica sobre la destacada artista del país galo.

Warner Music Entertainment informó que se ha asociado con la productora Seriously Happy para hacer una película de 90 minutos de duración narrada por la voz de Édith Giovanna Gassion (su nombre original) que “descubrirá aspectos de su vida hasta ahora desconocidos”.

En el comunicado, las productoras explican que la imagen y voz de Edith Piaf serán recreadas gracias a la tecnología de IA que fue entrenada con cientos de archivos, algunos de hace más de 80 años, “para realzar aún más la autenticidad y el impacto emocional de su historia”.

“La animación ofrecerá una visión moderna de su historia, mientras que la inclusión de imágenes de archivo, actuaciones en el escenario y en televisión, imágenes personales y entrevistas televisivas proporcionarán al público una visión auténtica de los momentos significativos de la vida de Piaf”, dice el anuncio.

La cinta está ambientada en las ciudades de París y Nueva York, y comprende la época de 1920 a 1960.

El proyecto promete ofrecer una visión moderna de su historia, mostrando logros personales y actuaciones icónicas de la intérprete de ‘Non, je ne regrette rien’.

Aqui una muestra de la potencia de su voz.

La idea original es de la directora y guionista Julie Veille, responsable de películas de televisión como Diana Ross, suprême diva (2019) y Stevie Wonder: Visionnaire et prophète (2019), y comparte créditos de escritura con Gilles Marliac.

“Su historia es una muestra de increíble resistencia, de superación de luchas y de desafío a las normas sociales para alcanzar la grandeza, y es tan relevante ahora como lo fue entonces”, dijo Veille en un comunicado.

Por su parte, Catherine Glavas y Christie Laume, las albaceas del patrimonio de Piaf, expresaron lo “especial y conmovedor” que resultaba la experiencia de volver a escuchar la voz de la cantante gracias a la tecnología IA.

“Se siente como si estuviéramos de nuevo en el cuarto con ella”, apuntaron.

Inmortal. Su particular voz le hizo merecedora del apelativo de gorrión.

La vida del ‘Gorrión’ estuvo marcada por la tragedia y los excesos al haber vivido una infancia azotada por la necesidad y la miseria, y una vida adulta golpeada por la muerte de su única hija y de su amado, el boxeador Marcel Cerdán, y problemas con su adicción a la morfina.

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Cine

Marco Panatonic: “En Perú hay un fascismo que quiere destruir el cine”

Largometraje “Kinra”, del cineasta cusqueño Marco Panatonic, ganó el premio a Mejor Película Internacional en el Festival de Cine de Mar del Plata. El cine peruano continúa cosechando premios internacionales.

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“Kinra”, opera prima del cusqueño Marco Panatonic, acaba de ganar el Astor Piazzolla de Oro, a mejor Película Internacional en la Competencia del Festival de Cine de Mar del Plata, que este año va por su 38° edición.  

El largometraje de Panatonic, aborda una realidad innegable en Latinoamérica; el tema de la migración que toca a todos los que alguna vez hemos salido de nuestros terruños. Y sin duda, el enfoque visual de “Kinra” nos narra un testimonio que no necesita mayor relato, que sus propias imágenes.

El cineasta peruano celebra el triunfo de su película en Mar de Plata.

Panatonic agradeció al festival por permitirle estrenar el filme en Latinoamérica y en especial, a su equipo de trabajo, porque “ha puesto el cuerpo para caminar por los Andes”.

“Me llevo una gran experiencia. Estaba dudando de si puedo hacer cine y seguiré dudando, porque en Perú hay un fascismo que quiere destruir el cine. Hay que seguir luchando”, aseveró el director en su discurso durante la ceremonia.

Marco Panatonic, estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad Nacional San Antonio de Abad; sin embargo, tiene una formación autodidacta en cine y también experiencia en el área técnica de diversas producciones. No por algo, participó en años pasados en uno de los festivales de cortos más importantes de la región, el FENACO, y hoy ya puede gozar de los logros, luego de un arduo trabajo.

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Cine

35° Festival de Cine Europeo de Lima llega con 55 películas de estreno

La 35 edición del Festival del Cine Europeo de Lima se realizará del 16 al 30 de noviembre en Lima, Cusco, Arequipa, Piura, Trujillo y Chiclayo.

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El Festival del Cine Europeo de Lima está de vuelta en su 35ª edición del 16 al 30 de noviembre de 2023 prometiendo dos semanas llenas de cine europeo de primer nivel gracias a sus organizadores: las embajadas de los Estados miembros de la Unión Europea en el Perú, la Delegación de la Unión Europea y la Filmoteca de la Pontificia Universidad Católica del Perú.

Esta edición trae consigo una emocionante selección de 55 películas procedentes de 18 países europeos, como Alemania, Austria, Bélgica, España, Finlandia, Francia, Grecia, Hungría, Italia, Países Bajos, Polonia, Portugal, Rumanía, además de Dinamarca, Bulgaria, Malta, Croacia, Estonia y la participación de Ucrania y Perú.

Los amantes del cine tendrán la oportunidad única de sumergirse en la riqueza de la cinematografía europea y descubrir historias de toda la Unión Europea.

La programación detallada se encuentra disponible en www.festivaldecineeuropeo.pe. Con un total de 179 funciones programadas, distribuidas en 18 sedes en Lima y 8 en provincias, que incluyen Cusco, Arequipa, Piura, Trujillo y Chiclayo, el Festival se asegura de que todos tengan la oportunidad de acercarse a la cinematografía europea y encontrar historias que se adapten a sus gustos.

Premio del público

El 35° Festival del Cine Europeo de Lima marca el regreso del Premio del Público permitiendo a los seguidores elegir la película más destacada del evento, convirtiendo también a los asistentes en protagonistas de la celebración cinéfila.

Presidencia española

En esta edición, el Festival estará bajo la presidencia de España, cuya Embajada presentará entre otras películas, en estreno exclusivo, “As bestas” de Rodrigo Sorogoyen, Premio Goya 2023 a la mejor película entre las 9 distinciones que recibió como la de mejor director, mejor actor o mejor actor de reparto.

Además, se realizará un homenaje al genio creativo y el legado cinematográfico del aclamado director español Carlos Saura, proyectando cinco de sus icónicas películas, incluyendo “Cría cuervos” y “Ay, Carmela”.

El Festival también presentará una selección de películas peruanas.  Se explorarán temas históricos y sociales a través de una selección de seis largometrajes, tres de España y tres de Perú, que abordan el posfranquismo de los años 70 y la violencia armada interna de los años 80, respectivamente.

Ucrania, país invitado

También, a través del lente cinematográfico, el Festival ofrecerá una mirada al impacto del conflicto bélico en Ucrania a través de cuatro películas, incluyendo un drama ficcionado y tres documentales, que arrojarán luz sobre los desafíos que enfrentan las personas en ese país en la actualidad.

Talleres profesionales

Finalmente, por quinto año consecutivo, el Festival de Cine Europeo contará con el laboratorio de formación en cinematografía CINELABS, organizado por el grupo de Institutos Culturales Europeos en Perú (EUNIC) espacio que convocará a expertos internacionales en temas como redacción de guiones, corrección de color, nuevas tecnologías, fotografía, animación, dirección de arte y sonido. 

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Cine

Los ‘Buenos Muchachos’ retornarán a la pantalla gigante [VIDEO]

Película de Martin Scorsese será reestrenada desde este 2 de noviembre.

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Los ‘Buenos Muchachos’ (Goodfellas) están de regreso. Con más de tres décadas de su estreno original, UVK Multicines trae a sus pantallas este clásico en alta definición que reúne a Ray Liotta, Paul Sorvino y los galardonados Robert de Niro y Joe Pesci.

Una de las películas más influyentes del cine clásico de gangsters, Goodfellas, en español Buenos Muchachos, regresa al cine en versión remasterizada y en alta definición a través de las pantallas de UVK Multicines este 2 de noviembre.

Estrenada en 1990, el director italo-americano, Martin Scorsese entregó una de las mejores películas del cine moderno que expone el fascinante, misterioso y violento submundo de las familias de la mafia neoyorquina, a través de la vida de Henry Hill.

Buenos Muchachos cuenta la historia del ascenso y caída de este gángster italo-irlandés-americano que, entre los años 50’s y 80’s, se hizo rico a costa de robos, asaltos, tráfico de drogas, complicidad en asesinatos, otros crímenes y delitos con sus secuaces Paul CiceroTommy DeVito y Jimmy Conway.

La cinta reúne a un reparto de lujo conformado por Ray LiottaPaul Sorvino, Joe Pesci, quien se hizo acreedor de un Premio Oscar como Mejor Actor de Reparto gracias a su performance en el filme, y Robert de Niro, dos veces ganador del premio a Mejor Actor de la Academia.

Nominada a seis premios Oscar, ganadora de cinco premios por parte del BAFTA y nombrada como Mejor Película del año por el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York y por la Asociación de críticos de cine de Los Ángeles, además que la cinta Buenos Muchachos fue declarada de “importancia cultural” y fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos.

FUENTE: WARNER BROS.

Considerada por muchos la mejor película sobre mafiosos, ahora podrás verla en pantalla grande y en exclusiva desde este 2 de noviembre en los cines UVK San Martín del Centro de Lima y UVK Platino Panorama de Surco.

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Cine

Película ‘La naranja mecánica’ se reestrenará en las salas de cine peruanas

Obra maestra de Stanley Kubrick podrá ser disfrutada desde este jueves en distintas cadenas de cines.

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A ‘videarnos’. Stanley Kubrick está de vuelta y desde este jueves ‘La naranja mecánica’ (A clockwork Orange) regresará a las salas de cine para celebrar los 100 años de la Warner Bros. A fines de setiembre, le tocó a la mítica trilogía de ‘Batman: The Dark Knight’ y ahora es el turno de la película dirigida por Kubrick y protagonizada por Malcolm McDowell, a quien volveremos a ver en su papel como Alex DeLarge en una versión remasterizada que ofrece una mejor experiencia auditiva y visual para el público.

Esta cinta, que está basada en el libro homónimo de 1962 escrito por el británico Anthony Burgess, llegará a los cines de nuestro país el jueves 19 de octubre de 2023. La película tiene una duración total de 136 minutos, es decir, 2 horas y 16 minutos; además, debido a la gran cantidad de violencia, está dirigida únicamente para mayores de 18 años.

La película sigue la historia de Alex DeLarge, un joven delincuente y líder de una pandilla, mientras es sometido a un controvertido experimento de reacondicionamiento conductual. A través de esta trama intrincada, la película plantea preguntas éticas y filosóficas sobre el poder, el libre albedrío y la moralidad; desafiando a los espectadores a reflexionar sobre la naturaleza humana y la sociedad en la que vivimos.

‘La naranja mecánica’ tuvo múltiples nominaciones a los Premios Óscar, Globos de Oro y BAFTA, sin embargo, no alcanzó el éxito y se quedó sin levantar dichas estatuillas. Un destino distinto registró en los Premios del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York (NYFCC Awards), en donde obtuvo galardones a mejor película y a mejor director. Otro premio importante que ganó fue en el Festival de Cine de Venecia, en el cual resultó vencedor en la categoría de mejor película extranjera.

Kubrick, durante una pausa del rodaje de ‘La naranja mecánica, junto al actor Malcolm McDowell. Foto: Warner Bros.

La película podrá verse únicamente en las salas de cine seleccionadas de Cineplanet, Cinemark, Cinépolis, UVK, y Cinestar, entras otras, por lo que es recomendable que ingreses a la página web de tu cine favorito para revisar dónde estará disponible, los horarios y el precio de las entradas.

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